Articulo PODIO

25Sep14

¿Condenados a hacer menos?

Por Salvador Quiroz Ennis

 

 

Después de la inauguración del Pabellón de México en la Bienal de Arquitectura de Venecia 2014 habría que profundizar en varios aspectos de su realización. El INBA acaba de renegociar con la Fondazione La Biennale di Venezia la cancelación del comodato de nueve años en la deteriorada Iglesia de San Lorenzo, adquirido por la gestión anterior. Se trata de un espacio modesto en dimensiones y de mejor escala a nivel financiero: un salón del Arsenale que servirá a México por veinte años y para al menos 80 exhibiciones culturales de arte, cine, música y arquitectura.

 

Los recintos son parte fundamental de cualquier evento cultural, pero si revisamos cuatro elementos fundamentales de la exhibición (gestión, curaduría, museología y museografía) y sus interacciones entre sí, el diagnostico final no es nada afortunado.

 

La gestión es siempre la columna vertebral. Debe cuidar el profesionalismo del proceso y la visión futura de sus interacciones. Desafortunadamente, el INBA permitió que el concepto ganador de su convocatoria, de la cual fui parte solo hasta su fallo, concluyera con deficiencias técnicas, de contenido, de representación, y por ende también de vinculación profesional e internacional, revelando los mismos temas institucionales que siguen siendo un obstáculo para las licitaciones públicas de infraestructura cultural así como también para estos eventos internacionales. Pero eso no es todo, además existen otros problemas que condicionan autoritariamente las colaboraciones multidisciplinarias bajo un interés que por lo general resulta ser poco profesional.

 

El proyecto, realizado entre enero y mayo del 2014, tuvo un tiempo de ejecución muy corto. ¿No hubiese sido más conveniente fabricar en Europa en vez de enviar 1.5 toneladas de material en maletas desde México?   El tiempo de realización no sólo afecta la fabricación del proyecto sino todos los aspectos aquí presentados. Corea y Chile, por ejemplo, ganadores del León de oro y plata respectivamente, trabajaron la curaduría e investigación con uno y seis años de anticipación, más un año de realización museográfica y de producción en ambos casos.

 

Sabemos que la curaduría general de la Bienal la planteó Rem Koolhaas con conceptos muy claros. Se habló de una bienal de arquitectura, no de arquitectos, invitando a mostrar los acontecimientos que construyeron la modernidad de cada país a partir de aspectos sociales, políticos, culturales e históricos. Koolhaas revive la idea de la Bienal de arte, complementando las reflexiones con la inclusión de todas sus segmentos incluyendo arte, cine y teatro.

 

Suiza, por ejemplo, presentó un análisis de los proyectos del antiarquitecto inglés Cedric Price (1925-2003) y del sociólogo suizo Lucius Burckhardt (1934-2003), dos visionarios que realizaron poca obra, pero cuya teoría y vocación de dibujo no sólo han sido herramientas de redefinición de la arquitectura, sino también una demostración de cómo se puede anticipar el futuro. Esta exhibición es una coreografía, no de objetos seleccionados, sino de otra realidad expositiva más viva. Con especialistas moviéndose dentro y fuera del archivo, mostrando los diferentes facsímiles de los proyectos a los visitantes, invitando a reflexionar sobre qué tan modernas continúan siendo las visiones de estos dos pensadores. Es un espacio de libre expresión que no afirma verdades absolutas. Una museología con una curaduría en proceso y sin museografía.

 

Por su parte, México apostó por una pasarela institucional y ordinaria con talentos reconocidos ya cientos de veces. Una expresión contemporánea en apariencia, pero con un discurso tradicional con fuertes concesiones arbitrarias. De esta manera, se incluye el memorial de “Las víctimas de la violencia” por los curadores, a quienes no les importó convertirse en juez y parte, sino poseer absolutamente todas las disciplinas que conforman la exhibición, aún cuando el INBA solicitó equipos multidisciplinarios en el liderazgo.

 

Desde mi punto de vista, museográficamente hablando, el diseño de una exhibición busca la traducción emocional de un discurso intelectual, pero en este caso solo ocurrió conceptualmente, ya que en el resultado final imperó lo ordinario e institucional. Primero, el acceso principal al pabellón mexicano se resolvió del lado colindante al de los Emiratos Árabes, ignorando el patio privado al otro extremo que era la mejor opción. Esa decisión hizo que ubicar a México resultara confuso y difícil de encontrar. Segundo, los planos ejecutivos del pabellón carecían de soluciones investigadas en materiales y procesos, ni detalles claros para que un productor lograra los costos necesarios. Queda claro que no todos están entrenados para resolver detalles de diseño museográfico, pues la solución de la tela envolvente, que era el corazón emocional de la propuesta, resultó pesada, opaca y anticuada. Tercero, ¿Por qué no se aceptó la dinámica sugerida por la Bienal: con los ocho minutos de tiempo promedio por visitante? La proyección se va a casi veinte minutos de una narrativa solo arquitectónica, no traducida y poco sustanciosa.

 

Museológicamente, las exposiciones sobre arquitectura pueden ser aburridas: maquetas, planos, fotos, croquis, textos. Pero la bienal de Koolhaas quiso contar la historia de la modernidad sin mencionar ningún arquitecto. Por ejemplo, se unieron dos ideologías en un solo pabellón, en el caso coreano. Los daneses poetizaron sobre la estética y la naturaleza como elementos complementarios de la arquitectura. Los finlandeses presumieron la sencillez y la materialidad de su diseño. Los rusos ironizaron sobre el capitalismo mientras los americanos presumían su poderío corporativo. Sólo haciendo a un lado los nombres detrás de la arquitectura se expresa de manera más amena la colaboración técnica y creativa del espacio. Ese fue el principal agasajo de visitar la Bienal este año.

En el caso mexicano se debió gestionar primero la curaduría y, luego, la museografía como lo hicieron otros países. Planear ordenadamente —como rara vez hacemos— y, coordinar una auténtica colaboración entre los distintos actores para establecer ejemplos integrales de equipo que quizá algún día nos ayuden a ganar un mundial y más medallas olímpicas por equipos.

 

Esta desafortunada táctica curatorial, museológica, museográfica y de gestión del pabellón mexicano en la Bienal secuestró el espacio conceptual y representativo presentado en el concurso; formó bajo las perversas y ancestrales mañas entre el Arquitecto y el Poder (en mayúsculas, por supuesto) un stand de turismo sin visión. Digamos que lejos de representar nacionalmente a las mentes orquestales, los talentos curatoriales, y la sensibilidad museológica y museográfica que el país es capaces de hacer; mostró los malos y comunes procesos que nos condenan demasiado seguido a una miedosa y vergonzosa imposición banal que perjudica a todos los gremios del arte y la cultura, y que además sigue formando parte de todas las licitaciones de infraestructura nacionales que comparten el mismo problema. ¿Condenados a ser modernos? Me temo que no.

 

 

PS. Anexo carta enviada al INBA donde cuestiono ¿porque se secuestro el proyecto por parte de los curadores?
Existe un enorme problema cuando una persona puede hacer lo que le plazca en nombre de un equipo o un país.

Me deslindo del proyecto ejecutivo, no de la idea que trabajamos todos para el concurso y que tenía potencial de ser una mejor representación.

 

Fotograf’a de p‡gina completacarta INBACaptura de pantalla 2014-07-17 a la(s) 23.34.45Captura de pantalla 2014-07-17 a la(s) 23.37.27Captura de pantalla 2014-07-17 a la(s) 23.09.35Captura de pantalla 2014-07-17 a la(s) 23.50.45 lasCaptura de pantalla 2014-07-17 a la(s) 23.35.29IMG_4517   IMG_4524 IMG_4219 IMG_4475


Una exposición que viaja en un tiempo local, desde los campos productivos, las escuelas, los carnavales, los eventos sociales y políticos más controvertidos, todos registrados por el lente de una nueva generación de fotoperiodistas.
El privilegio de la memoria es una travesía por una de las realidades más controvertidas y difíciles de nuestro México.
Curada por Hector Orozco para La Galería de arte Antonio Lopez Saenz

20130908-133728.jpg

20130908-134002.jpg


This exhibition was design in collaboration with curator Alfonso Morales and co curators Hector Orozco, Rita Gonzalez, Britt Salvesen and the incredible support of Victoria Behner in the Los Angeles County Museum of Art in Los Angeles, California.

BEVERLY HILLS, CA – The Los Angeles County Museum of Art (LACMA)and the Academy of Motion Picture Arts and Sciences (The Academy) are pleased to present Under the Mexican Sky: Gabriel Figueroa—Art and Film. The exhibition celebrates the achievements and legacy of Mexican cinematographer Gabriel Figueroa (1907-1997), a profoundly influential figure who built an enduring image of Mexico through his visual style. Recognized as one of the most important cinematographers of the twentieth century, Figueroa collaborated with a vibrant community of international painters, photographers, and printmakers—including Diego Rivera, José Clemente Orozco, and Manuel Álvarez Bravo—as well as leading directors such as Emilio Fernández, John Ford, Luis Buñuel, and John Huston. Deemed “the fourth muralist” by Diego Rivera, Figueroa forged a vision of Mexican identity and culture that resonated powerfully with Mexican and international audiences. Under the Mexican Sky features approximately 300 objects, including film sequences, paintings, photographs, prints, drawings, posters, and archival documents. Additional film, video, and photographic works by contemporary artists (including Rodrigo García, Melanie Smith and Rafael Ortega, Gonzalo Lebrija, and Juan Capistran and Mario Ybarra Jr.) reflect on Figueroa’s legacy.

Under the Mexican Sky is organized by the Televisa Foundation and is co-presented by LACMA and the Academy of Motion Picture Arts and Sciences (The Academy). The Televisa Foundation oversees the Gabriel Figueroa archive and many elements of the exhibition are drawn from this comprehensive collection. Curated by Alfonso Morales, Curator of Televisa Foundation, the exhibition has traveled extensively throughout Mexico and France.

“Gabriel Figueroa was a key participant in Mexico’s cinematic, artistic, and literary circles throughout his long career. Under the Mexican Sky is the first time the Televisa Foundation’s Figueroa project will be presented in the United States.” comments Alfonso Morales.

“Under the Mexican Sky is a perfect example of how LACMA, an encyclopedic museum with an international scope, approaches the intersection of art and film,” said Michael Govan, LACMA CEO and Wallis Annenberg Director. “Gabriel Figueroa had a tremendous impact on the visual culture of Mexico. We are pleased to co-present this exhibition with The Academy and are grateful to the Televisa Foundation for their support.”

“We are delighted to once again partner with LACMA in shining the spotlight on the life and career of a visionary filmmaker,” said Dawn Hudson, Academy CEO. “This exhibition invites visitors to discover Figueroa’s iconic works as well as his influence on global cinema. It also provides a glimpse of what’s to come in 2017 when we open the Academy Museum of Motion Pictures next to the LACMA campus.”

At LACMA, the exhibition is co-curated by Britt Salvesen, Curator of the Wallis Annenberg Photography Department and the Prints and Drawings Department, and Rita Gonzalez, Associate Curator of Contemporary Art, and will incorporate more works of art and an accompanying film series.

“Gabriel Figueroa’s cinematic work contributed to the construction of Mexican visual identity and is an important part of film and art history,” said Rita Gonzalez, exhibition co-curator. Britt Salvesen adds, “Figueroa’s portrayal of pivotal cultural subjects, ranging from Mexican revolutionary soldiers to landscape motifs, created a visual lexicon for Mexico that has influenced today’s generation of artists and filmmakers.”

As an exhibition focusing on the art of cinematography, Under the Mexican Sky emphasizes the collaborative nature of movie-making and examines how a filmic vision intersects with other artistic media.

About the artist
Gabriel Figueroa’s prolific career in cinema spanned more than fifty years during which time he worked as a studio portrait photographer, photojournalist, still photographer, lighting artist, camera operator, and cinematographer. His body of work exhibits his technical skill, careful handling of composition and lighting, and affinity for the aesthetics of artists. Distinguished directors such as John Ford, Luis Buñuel, and John Huston sought Figueroa to work with them, and many of his films were recognized at the premier international film festivals.

In total, Figueroa’s filmography consists of more than 200 films, including María Candelaria (1943), which won a prize for cinematography at the Cannes Film Festival; Macario (1960), the first Mexican film to be nominated for an Academy Award for Best Film in a Foreign Language; The Night of the Iguana (1964), which garnered an Academy Award nomination for best cinematography; Two Mules for Sister Sara (1969); Kelly’s Heroes (1969); and Under the Volcano (1983). Gabriel Figueroa’s achievements were recognized by colleagues in both Mexico and the United States: he was nominated to be an active member of The Academy in 1968; became president of the Academia Mexicana de Ciencias Artes y Ciencias Cinematográficas de México in 1972; and received a lifetime achievement award from the American Society of Cinematographers in 1995. Figueroa died in Mexico City in 1997 at the age of 90.

Exhibition Organization
Under the Mexican Sky is organized thematically with an emphasis on how Gabriel Figueroa crafted Mexican visual history. The first part of the exhibition explores Figueroa’s filmic output on the Mexican Revolution. On the big screen, the revolution of the 1910s was the topic of newsreels, propaganda campaigns, and fictional recreations of legendary personalities and heroic battles. Figueroa’s films of the 1930s and 1940s, including La Adelita (1937), and Río Escondido (1940), helped shape collective memory of the conflict. His depictions of heroic revolutionaries in stunning landscapes aimed to build national pride and construct empowered iconography for the new Mexico.

The exhibition also presents the perspectives of international filmmakers and artists on post-revolutionary Mexico. Work made and published during the 1920s and 1930s by Edward Weston, Tina Modotti, Anita Brenner, Paul Strand, Sergei Eisenstein, and others influenced the definition of Mexicanness that Figueroa and his contemporaries took on as a legacy. The spirit of collaboration was strong in Figueroa’s artistic community. Under the Mexican Sky showcases paintings and drawings such as Diego Rivera’s Flower Day (Día de Flores) (1925)—one of the most famous paintings in LACMA’s collection—and lithographs by Leopoldo Méndez made expressly for use in the credits sequences of Figueroa’s films.

The rapid urbanization that took place in Mexico between 1930 and 1970 produced new cinematic narratives, brought to life by Figueroa’s skill in manipulating light and shadow. One such urban drama, Los Olvidados (1950), launched a collaboration between Figueroa and legendary Spanish-born director Luis Buñuel resulting in seven films between 1950 and 1964. By this time, the Mexican film industry has changed significantly, as did Figueroa’s style, now encompassing color and mass-market comedic and melodramatic themes.

The exhibition closes with an array of archival materials (lent by the Televisa Foundation and The Academy) tracing Figueroa’s close but often ambivalent ties to Hollywood from his first trip there in 1935 to his final collaboration with John Huston in 1983.

Exhibition will open to the public on. the 23rd of september 2013 at LACMA

 

PICTS LACMA ACCESSION NUMBER ACCESSION NUMBER ACCESSION NUMBER ACCESSION NUMBER ACCESSION NUMBER ACCESSION NUMBER ACCESSION NUMBER ACCESSION NUMBER ACCESSION NUMBER ACCESSION NUMBER ACCESSION NUMBER ACCESSION NUMBER ACCESSION NUMBER ACCESSION NUMBER

 


Bacab es una escultura que lleva poco mas de un año desde que se instaló bajo el mar dentro del Museo Subacuático de CANCUN en Quintana Roo México.

Los resultados del sistema del concreto marino han demostrado su eficiencia albergando una gran cantidad de retoños de esponja de coral y alga,  básicas para la alimentación y crecimiento de peces juveniles.

La celosía que compone su estructura envolvente ha resultado como habitáculo de peces que se protegen de otro depredadores permitiendoles  llegar a su edad adulta, desplazarse y reproducirse con mas seguridad.

Tuve la fortuna de encontrarme 3 langostas y una morena comodamente instaladas dentro. con ello  los visitantes del museo logran divertirse viendo especies carismáticas.

También pude contar hasta 12 especies diferentes de peces y confirmar visualmente grupos de juveniles en 3 puntos distintos.

Con mucha emoción se contribuye un granito de arena que constantemente esta funcionando como promotor de vida y reproducción del ecosistema marino, reduciendo el impacto de turistas en el parque de coral.

saludos

SQ

Jason deCaires Taylor-2854JdeCTMéxico 15 enero de 2013

This underwater installation has been submerged for more than a year now. In my recent visit to CANCUN´s Underwater museum this year  I could not only  see 3 lobsters happily living inside it, but also a great abundance of sponges and corals beginning to grow all around as intended.

I made visual confirmation of groups of juvenile fish and lots of marine sprocket wheels living there.

The marine friendly structure is working perfectly and is contributing positively to reduce impact to the coral park, and promote fish and coral growth inside the sea’s ecosystem.


VER VIDEO

En sincronización no planeada con los estudiantes del movimiento intelectual y activo que surge en Mexico para las elecciones presidenciales de 2012, YoSoy132 es un respiro de esperanza para la renovación ética del país.
La instalación creada para un espacio público en el centro comercial Interlomas coincide con 132 hilos conectados a un solo motor cínético y central que hace que una constelación de atomos se mueva armonicamente.
Es un placer para mí esta maravillosa coincidencia, y espero que su inercia siga funcionando por muchos muchos años por venir.

 


Un total de 220 obras originales del artista norteamericano Paul Strand (1890-1976), considerado el iniciador de la modernidad fotográfica y democratizador de los temas de la fotografía, se presentan desde hoy en el Palacio de Bellas Artes de Ciudad de México.La muestra retrospectiva titulada “El murmullo de los rostros” incluye fotografías, proyecciones videográficas, carteles y documentos que el artista obtuvo a su paso por México, material en un 70 por ciento inédito.

“Redes”, una película que a pesar de no haberse terminado “es tratada como una obra maestra porque se trata de lo que hoy es conocido como docu-ficción”.

Las obras presentadas en esta muestra fueron facilitadas por la Aperture Foundation, la Asociación Manuel Álvarez Bravo y el Archivo Histórico de la Secretaría de Educación Pública.

El proyecto museográfico ajusta cuentas con el autor haciendo reminicencia a los años 30 cuando pasó por México. “Esta es la exposición que Paul Strand debió tener en México cuando pasó por esta tierra y termino este tan importante legado.” Integrado completamente a las estéticas arquitectónicas y de diseño del Palacio de Bellas Artes, el diseño de la exhibición parece que siempre estuvo ahí y siempre estará, aún cuando se nota su momento histórico real.

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

http://www.milenio.com/cdb/doc/noticias2011/a80a9587cf31bf9cd3373c500d866315

http://www.conaculta.gob.mx/sala_prensa_detalle.php?id=17376

http://feeds.univision.com/feeds/article/2011-11-30/presentan-en-mexico-obra-de




A %d blogueros les gusta esto: